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J. Edgard – Crítica

criticascine — Sun, 29 Jan 2012 07:48:31 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: J. Edgard

Dirección: Clint Eastwood

Nacionalidad: EEUU Año: 2011

Guión: Dustin Lance Black

Fotografía: Tom Stern

Música: Clint Eastwood

Intérpretes: Leonardo DiCaprio (J. Edgar Hoover), Naomi Watts (Helen Gandy), Armie Hammer (Clyde Tolson), Josh Lucas (Charles Lindbergh), Ed Westwick (agente Smith), Judi Dench (Annie Hoover), Damon Herriman (Bruno), Jeffrey Donovan (Robert Kennedy), Dermot Mulroney (coronel Schwarzkopf).

Clint Eastwood afronta con su habitual sensibilidad clásica el biopic de John Edgard Hoover, el que fuera director general del FBI durante casi medio siglo y uno de los hombres más poderosos de Estados Unidos. J. Edgard nos sumerge, de forma muy fragmentada e impresionista, en los claroscuros de un complejo personaje que Eastwood aborda con gran sutileza y elegancia, especialmente en lo que se refiere a la vida privada y a la supuesta homosexualidad del protagonista.

Lejos de la asepsia y la neutralidad habitual en el subgénero, el curtido cineasta, con la ayuda de un entregado DiCaprio cuya interpretación ayuda a que el personaje no sea completamente detestable, exorcisa los demonios -interiores y exteriores- de una de las figuras más representativa de la América más oscura y reprimida.

Lo mejor: La esforzada interpretación de Leonardo DiCaprio.

Lo peor: Algún maquillaje a los Spitting Image.

Califiación: 3 / 5

Los descendientes – Crítica

criticascine — Sun, 22 Jan 2012 17:35:00 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: The descendants

Dirección: Alexander Payne

Nacionalidad: Estados Unidos Año: 2011

Guión: Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash; basado en la novela de Kaui Hart Hemmings.

Fotografía: Phedon Papamichael.

Intérpretes: George Clooney (Matt King), Judy Greer (Julie Speer), Matthew Lillard (Brian Speer), Beau Bridges (primo Hugh), Shailene Woodley (Alexandra), Robert Forster (Scott Thorson), Nick Krause (Sid), Amara Miller (Scottie King), Mary Birdsong (Kai Mitchell), Rob Huebel (Mark Mitchell).

Venerado por los circuitos indies, así como por buena parte de la crítica más prestigiosa, no ha sido hasta Los Descendientes cuando Alexander Payne ha alcanzado su madurez como director. No es poca cosa tratándose de alguien que tiene a sus espaldas excelentes películas como Election (1999), A propósito de Schmidt (About Schmidt, 2002) y Entre copas (Sideways, 2004).

La adaptación de la primera novela de Kaui Hart Hemming -la historia de un hombre que tiene que reconectar con sus hijas tras un grave accidente de su mujer-, otorga a Payne una nueva oportunidad de trascender los géneros para navegar con excepcional pericia entre dos aguas: las del drama y las de la comedia.

Coherente con el estudio de las contradicciones humanas que ha articulado el resto de la obra de Payne, Los descendientes no es sino un lúcido retrato humanista de personajes, mucho más complejo de lo que parece a simple vista, que confirma al cineasta como rey de la comedia agridulce y emotiva.

Lo mejor: George Clooney, alcanzando un nuevo nivel como actor.

Lo peor: Que a muchos ya no les interese los más mínimo las películas centradas en los personajes.

Calificación: 4 / 5

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres – Crítica

criticascine — Sun, 15 Jan 2012 13:07:14 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: The girl with the dragon tattoo

Dirección: David Fincher

Nacionalidad: Estados Unidos, Reino Unido, Suecia, Alemania Año: 2011.

Guión: Steven Zaillian; basado en la novela de Stieg Larsson

Música: Trent Reznor y Atticus Ross.

Intérpretes: Daniel Craig (Mikael Blomkvist), Rooney Mara (Lisbeth Salander), Stellan Skarsgård (Martin Vanger), Robin Wright (Erika Berger), Christopher Plummer (Henrik Vanger), Steven Berkoff (Frode), Joely Richardson (Anita Vanger), Goran Visnjic (Armansky).

En manos de David Fincher, probablemente el mejor director norteamericano en activo, esta lujosa adaptación del best seller de Stieg Larsson se convierte en un modélico thriller que contentará tanto a los fans de la novela como a los conocedores de la obra del cineasta.

A priori obra de encargo, la gelidez de los paisajes suecos -y de todo el material de partida- termina siendo, a la vista del resultado, un material natural para Fincher, quien con ayuda del guionista Steve Zallian hace suyo el relato. El artífice de Seven o The Game aporta su mirada autoral, demostrando una vez más su maestría en la creación de atmósferas opresivas y en el manejo de la tensión provocada por los horrores subterráneos. La frialdad de la narrativa sueca rima perfectamente con el desapasionamiento, que no indeferencia, que Fincher ha profesado siempre hacia sus personajes.

En un extenso elenco de actores que es poco menos que un prodigio de casting -sensacionales Christopher Plummer y Stellan Skarsgard -despunta Rooney Mara, perfecto contrapunto a un Daniel Craig quien, por primera vez, compone un personaje vulnerable.

Lo mejor: El monólogo del villano.

Lo peor: Sus últimos quince minutos.

Calificación: 4 / 5

Sherlock Holmes: Juego de sombras – Crítica

criticascine — Fri, 06 Jan 2012 21:52:22 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: Sherlock Holmes: A Game of Shadows

Dirección: Guy Ritchie

Nacionalidad: EEUU Año: 2011.

Guión: Kieran Mulroney y Michele Mulroney; basado en los personajes creados por Arthur Conan Doyle.

Música: Hans Zimmer

Intérpretes: Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Jude Law (Dr. Watson), Noomi Rapace (Sim), Stephen Fry (Mycroft Holmes), Jared Harris (profesor James Moriarty), Rachel McAdams (Irene Adler), Eddie Marsan (inspector Lestrade), Kelly Reilly (Mary).

En Sherlock Holmes: Juego de Sombras Guy Ritchie continua su exitosa reformulación del mito literario de Conan Doyle en clave de blockbuster. Tomando elementos de diversas historias de Holmes – especialmente de “El problema final“-, Ritchie pone de nuevo a Sherlock en esteroides, sin olvidar en ningún momento su faceta más cerebral (a destacar el vibrante duelo deductivo final entre Holmes y Moriarty), convirtiendo así al personaje en el definitivo action hero victoriano.

Con más acción que la primera entrega y con una aventura a mucho mayor escala, Sherlock Holmes: Juego de Sombras cumple a la perfección las reglas no escritas de toda secuela hiperactiva que se precie, ofreciendo básicamente lo mismo que su predecesora, pero de forma corregida y aumentada; a lo que hay que añadir la introducción del archi-némesis por excelencia del héroe interpretado excepcionalmente en por Jared Harris. Robert Downey Jr. y Jude Law se lo pasan, de nuevo, en grande.

Lo mejor: La partida final entre Holmes y Moriarty.

Lo peor: Moriarty no tiene suficientes minutos.

Calificación: 3 / 5

Drive – Crítica

criticascine — Wed, 28 Dec 2011 00:33:44 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: Drive

Dirección: Nicolas Winding Refn

Nacionalidad: EEUU Año: 2011

Guión: Hossein Amini; basado en la novela “Drive” de James Sallis.

Fotografía: Newton Thomas Sigel

Música: Cliff Martinez

Intérpretes: Ryan Gosling (Driver), Carey Mulligan (Irene), Ron Perlman (Nino), Christina Hendricks (Blanche), Bryan Cranston (Shannon), Oscar Isaac (Standard), Albert Brooks (Bernie Rose).

Más que una actualización sobre ruedas del antihéroe melvilliano de Le Samourai (1967), Drive es una reivindicación de las formas clásicas de contar historias, un sólido ejercicio de estilo. En este sentido, los títulos de crédito y la música que los acompaña son toda una declaración de intenciones. El score de Cliff Martinez nos remite directamente a Tangerine Dream y la fotografía de Newton Thomas Sigel es un auténtico goce visual.

Formalmente impecable, Drive no termina resultando tan retro como se nos ha querido vender; sin duda bebe del noir puro, pero también toma elementos posmodernos como unos villanos tendentes a la caricatura y una violencia exagerada que haría las delicias del mismísimo Tarantino.

Ryan Gosling sorprende muy gratamente como esa arquetípica y abstracta figura, siempre melancólica, tan característica del cine negro. Sabemos que su redención es imposible, pero Nicolas Winding Refn consigue que lo acompañemos incondicionalmente en su viaje.

Lo mejor: La secuencia inicial.

Lo peor: Da menos acción de lo que su título promete.

Calificación: 4 / 5

Misión Imposible: Protocolo Fantasma – Crítica

criticascine — Fri, 23 Dec 2011 01:23:14 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: Mission: Impossible – Ghost Protocol

Dirección: Brad Bird

Nacionalidad: EEUU Año: 2011

Guión: Josh Appelbaum y André Nemec; basado en la serie de televisión creada por Bruce Geller.

Fotografía: Robert Elswit

Música: Michael Giacchino

Intérpretes: Tom Cruise (Ethan Hunt), Jeremy Renner (William Brandt), Paula Patton (Jane Carter), Simon Pegg (Benji Dunn), Josh Holloway (Trevor Hanaway), Michael Nyqvist (Kurt Hendricks), Léa Seydoux (Sabine Moreau), Vladimir Mashkov (Anatoly Sidirov), Anil Kapoor (Brji Nath), Tom Wilkinson (Secretario del FMI).

Con Misión Imposible: Protocolo Fantasma se abandona ya definitivamente el planteamiento orginal de “una misión, una visión”, por el cual se pretendía que cada entrega de la saga tuviera una mirada de autor. Así, tras la sofisticada película clásica de espías obra de Brian DePalma y el estilizado espectáculo de John Woo, tuvimos un cierto viraje hacia lo anodino por parte de J.J. Abrams quien, no obstante, aportaba su almibarado toque.

Aunque Brad Bird continua esta progresiva despersonalización de la serie, el autor de joyas de la animación como El Gigante de Hierro o Los Increíbles muestra un talento natural para el espectáculo preciso y honesto, revisitando en clave hiperbólica los lugares comunes de la saga.

Sin duda, esta entrega de Misión imposible se acerca más que nunca a la serie Bond (incluso los títulos de crédito apuntan por primera vez a la saga de 007); pero también es la que más se aproxima a la serie televisiva creada por Bruce Geller en 1966, ya que, finalmente, el omnipresente Cruise cede terreno al resto del equipo, un cast con buena química donde además de la belleza de Paula Patton y el carisma cómico de Simon Pegg, se nos presenta a un Jeremy Renner que podría recoger el testigo de Ethan Hunt.

Lo mejor: Su desacomplejada apuesta por el espectáculo.

Lo peor: El villano no está a la altura.

Calificación: 3.5 / 5

Attack the Block – Crítica

criticascine — Thu, 08 Dec 2011 16:54:28 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: Attack the Block

Dirección: Joe Cornish

Nacionalidad: Reino Unido Año: 2011

Guión: Joe Cornish

Fotografía: Thomas Townend

Música: Steven Price

Intérpretes: Jodie Whittaker (Sam), John Boyega (Moses), Alex Esmail (Pest), Franz Drameh (Dennis), Leeon Jones (Jerome), Simon Howard (Biggz), Luke Treadaway (Brewis), Nick Frost (Ron).

Gran triunfadora en el Festival de Sitges 2011, Attack the Block supone el debut como director de largometrajes de Joe Cornish, experimentado guionista británico -co-autor del modélico libreto de Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio- muy en sintonía com esa cuadrilla formada por Edgard Wright, Simon Pegg y Nick Frost que, junto al propio Cornish y Ricky Gervais, representan la nueva y refrescante ola de la comedia británica.

A medio camino entre las parodias de Wright (Shaun of the Dead, Hot Fuzz) y el sincero homenaje al cine de monstruos ochentero más exploit (¿alguien dijo Critters?) se situa Attack the Block, una película libre de pretensiones que prima el sentido lúdico por encima de todo. En este sentido, es mucho más honesta que recientes ejercicios nostálgicos como la manipuladora y sentimentaloide Super 8.

Si bien el filme tiene el handicap de unos protagonistas con los que es difícil empatizar en un primer momento, todo se olvida cuando hacen su aparición esos resultones aliens de dientes fluorescentes.

Lo mejor: Los bichos, por supuesto.

Lo peor: Nick Frost sale poco.

Calificación: 3 / 5

Acero puro – Crítica

criticascine — Tue, 06 Dec 2011 17:58:45 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: Real Steel

Dirección: Shawn Levy

Nacionalidad: EEUU Año: 2011

Guión: John Gatins; basado en un argumento de Dan Gilroy y Jeremy Leven; inspirado en el relato “Steel”, de Richard Matheson

Fotografía: Mauro Fiore

Música: Danny Elfman

Intérpretes: Hugh Jackman (Charlie Kenton), Evangeline Lilly (Bailey), Dakota Goyo (Max Kenton), Kevin Durand (Ricky), Anthony Mackie (Finn), Hope Davis (tía Debra), Karl Yune (Tak Mashido), Olga Fonda (Farra), John Gatins (Kingpin), James Rebhorn (Marvin).

Acero Puro (Real Steel) se basa en un relato del gran Richard Matheson que ya fue adaptado en un episodio de The Twilight Zone (y parodiado en Los Simpsons). La historia se enmarca en un futuro próximo donde los combates de boxeo están prohibidos, por lo que los contendientes humanos han sido sustituidos por molones robots.

Desvirtuando la premisa original (en el relato de Matheson, la gracia estaba en que el padre se disfrazaba de robot para combatir), Shawn Levy, mercenario especializado en ese subgénero a veces tan nauseabundo como es el cine familiar, se lleva a su terreno la historia para hablarnos de reconciliaciones paterno-filiales y demás clichés tan queridos por los telefilms de sobremesa.

El artefacto -producido por unos almibarados Spielberg y Zemeckis, entre otros- funciona bien, justo es decirlo, como película infantil. De fondo se detectan referentes y guiños simpáticos a pelis entrañables como Campeón (The Champ, Franco Zeffirelli, 1979) o Yo, el Halcón (Over The Top, Menahem Golam, 1987); si Acero Puro hubiera tomado esa ruta podríamos estar hablando de un pequeño clásico.

Lo mejor: Los efectos visuales.

Lo peor: ¿Le importa a alguien que el robot gane o pierda?

Calificación: 2 / 5

In Time – Crítica

criticascine — Sat, 03 Dec 2011 22:21:46 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: In Time

Dirección: Andrew Niccol

Nacionalidad: EEUU Año: 2011

Guión: Andrew Niccol

Fotografía: Roger Deakins

Música: Craig Armstrong

Intérpretes: Justin Timberlake (Will Salas), Amanda Seyfried (Sylvia Weis), Olivia Wilde (Rachel), Alex Pettyfer (Fortis), Cillian Murphy (Raymond Leon), Johnny Galecki (Borel), Vincent Kartheiser (Philippe Weis), Matt Bomer (Henry Hamilton).

La ciencia ficción ha sido siempre el género por excelencia para hablar del presente en clave metafórica. El concepto ideado por el siempre interesante Andrew Niccol (Gattaca) es poco menos que brillante: una sociedad distópica donde el tiempo es la moneda de cambio. En este futuro próximo donde ya se ha conquistado la eterna juventud (bienvenidos ecos de La fuga de Logan aquí), los pobres tiene que currárselo para vivir un día más mientras que los ricos viven para siempre. La crítica al sistema capitalista no es nada sútil (aunque al final la cosa quede más que diluída), pero se agradece el atrevimiento en los tiempos que corren.

Como también ocurría en su simpática Simone (id, 2002), Nicol no está a la altura del high concept, arrastrando la sofisticada premisa de la película hacia un rutinario film de persecuciones sin chispa. Timberlake no funciona ni como action hero ni como Robin Hood existencial.

Lo mejor: Su espíritu B; la estupenda música de Craig Armstrong.

Lo peor: El desarrollo de la película no está a la altura de su brillante concepto.

Calificación: 3 / 5

Un método peligroso – Crítica

criticascine — Thu, 01 Dec 2011 13:12:21 +0000

Por: Juanjo Ramos

Título Original: A Dangerous Method

Dirección: David Cronenberg

Nacionalidad: Alemania / Canadá / Reino Unido Año: 2011

Guión: Christopher Hampton; basado en la novela “A most dangerous method” de John Kerr y la obra teatral “The talking cure” .

Fotografía: Peter Suschitzky

Música: Howard Shore

Intérpretes: : Keira Knightley (Sabina Spielrein), Viggo Mortensen (Sigmund Freud), Michael Fassbender (Carl Gustav Jung), Vincent Cassel (Otto Gross), Sarah Gadon (Emma Jung).

Siendo la morbidez mental -y física- el sustrato central del grueso de la obra cronenbergiana, la realización de una película sobre los padres del psicoanálisis parece fruto de una evolucion lógica de la trayectoria del cineasta canadiense. Ahora, eso sí, pasamos de la modificación de la carne a la modificación del comportamiento.

A pesar de tratarse de un guión ajeno -adaptado por Christopher Hampton sobre su propia obra teatral-, Un método peligroso retiene muchas de las claves del cine de Cronenberg en cuanto lo turbio de las relaciones se refiere. La exploración de las complejas dinámicas entre Carl Jung (gran Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y la paciente Sabina Spielrein (Keira Knightley, pasada de rosca incluso como histérica) se prestan a un estudio intelectual de las pulsiones humanas, que sin embargo el director no disecciona con la precisión esperada.

La perfección formal, clásica, alcanzada por Cronenberg desde hace ya cierto tiempo y el excelente diseño de producción no puede ocultar notorias carencias en la historia, narrada por el cineasta canadiense con su habitual sobriedad y coherencia, pero también de forma algo superficial y diáfana (tan sólo en las escenas sadomasoquistas asoma el Cronenberg más perturbador); y es que al autor de incontestables clásicos como La Mosca o Promesas del Este le sienta mucho mejor la oscuridad.

Lo mejor: Fassbender, Mortensen y un enorme Vincent Cassel.

Lo peor: La historia se siente incompleta.

Calificación: 3 / 5